TEORÍA Y FUNCIÓN DEL ARTE.

1        Definición

 

Arte es la necesidad de expresión del ser humano. ¿Porqué esa necesidad? ¿Es por placer estético?. Si así fuera el arte sería el camino hacia la belleza y la belleza es la cualidad de dar placer a los sentidos.

Pero el Arte no siempre persigue la belleza. A veces trata de producir terror (como en algunas pinturas románticas), o busca temas de tragedia o de dolor. Hoy en día el Arte excluye a menudo la belleza entendida como placer a no ser que tengamos en cuenta el placer que sentimos al admirar la capacidad del artista para representar la realidad, su universo interior o para imaginar la ficción.

El Arte, pues, no es belleza y para él es tan importante lo hermoso como lo repelente. Por eso determinamos es mucho más que la belleza: toda la experiencia humana, hermosa u horrible, placentera o dolorosa, humorística, erótica, absurda, todo puede ser destilado por el artista. El Arte es materia de la que emanan sensaciones porque alguien lo ha querido así.

2        Propósito:

Para conocer mejor las obras de arte y así entenderlas y disfrutarlas es preciso que intentemos saber cual es la experiencia humana que motivó al artista para crear esa obra e identificarnos con él.

Toda obra incluye alguna referencia del artista que la creó pero, a menudo, tiene muchas más referencias de la época en la que se desarrolló. Hoy casi todos los artistas crean en plena libertad pero no siempre fue así. Hasta el siglo XIX los artistas trabajaban generalmente por encargo, con el apoyo de un mecenas , bajo la autoridad del poder político-militar o religioso (arte al servicio del poder) y la seguridad de un contrato para venderla después. Por eso era más importante el gusto popular del cliente que el del artista (clientelismo).

Debe ser pues propósito del historiador conocer el porqué una sociedad concreta eligiera tipos concretos de obras de arte y de estilos. Esto nos lleva a interpretar la obra de arte como un documento histórico más para conocer la vida de nuestros antepasados (visión historicista frente a la visión esteticista del Arte).

Si el artista es el mero ejecutor material del gusto popular o del subconsciente colectivo o del tal o cual mecenas, entonces ¿qué hace que una obra de arte sea buena o mala?.

· Que el artista sintonice con ese subconsciente colectivo y realice además una obra técnicamente maestra: P.ej. el David de Miguel Angel

· Que el artista, ocasionalmente, se desentienda del gusto popular y cree algo nuevo, no admirado en su momento pero transcendente para el futuro: P.Ej. los impresionistas.

· Que el artista interprete sus encargos a su manera, partiendo del gusto popular pero creando un estilo       particular y creativo: P.Ej. las obras de Murillo.

3        Arte y realidad:

¿Cómo ha registrado el artista el mundo visible? ¿Podemos hablar de evolución?. No está tan claro. Lo que sí está claro es que la forma de observar la realidad está relacionada directamente con el pensamiento y la idiosincrasia de las sociedades y civilizaciones.

El primer paisaje conocido en Europa es un fresco de la isla de Thera: son planos superpuestos, contornos y perfiles dibujados y los interiores coloreados, todo ello bastante esquemático. Los ocupantes de aquella habitación sentirían hallarse en medio de un paisaje real, pero hoy pocos lo aceptarían como tal.

En el 1300 Giotto pintaba las rocas y las plantas bellamente modeladas, con luces y sombras y casi en tres dimensiones aunque torpemente. Pintaba con precisión y sus obras se consideraban muy reales.

En el siglo XV Jean Van Eyck pinta un paisaje de estructura similar al de Giotto pero mucho más realista, con una perfección de miniaturista, casi fotográfica, desde los guijarros hasta las nubes. Entonces eso era lo más real.

Mientras tanto, en el mismo momento pero en el norte de Italia, los artistas observan que la realidad es una cosa y lo que ve el ojo humano es otra. Por eso los objetos se ven más pequeños cuanto más lejos están. Se inventan entonces las líneas de fuga y la perspectiva lineal.

Durante el siglo XVI y XVII, Leonardo primero y Velázquez después descubren que a veces no vemos bien los objetos, nuestra nitidez disminuye conforme se alejan los objetos y también cuanto más denso es el aire que hay entre ellos y nosotros. Así es como nace la perspectiva aérea.

Así llegamos al siglo XIX y con el Impresionismo la percepción cambia: desaparecen los contornos, se borra el dibujo, los detalles se emborronan y el artista intenta captar con pinceladas rápidas una visión pasajera, una percepción fugaz, una impresión veloz, en movimiento y nerviosa. Para los artistas esa era la visión de un ojo de la Revolución Industrial, sin embargo su pintura no fue aceptada por irreal.

En el siglo XIX lo irreal es la norma, siguiendo un proceso por el cual el Arte se desvincula de la realidad para buscar formas puras. Nace así el arte abstracto. Al final una obra de Mondrian o Kandinski es mucho más irreal que el fresco de Thera. Luego entonces ¿Hay evolución o no?. No si la realidad es sólo lo que capta un ojo humano. Sí si la realidad es además todo lo conceptual que rodea al ser humano. A la larga la realidad es un concepto tan engañoso y subjetivo como el de la belleza.

4        Formas:

La visión binocular (estereovisión) produce la forma en tres dimensiones. La escultura utiliza esas tres dimensiones pero la pintura sólo puede sugerirlas a partir de la línea, la luz o el color.

5        Líneas:

Es el borde o contorno de la forma o del espacio. En el arte antiguo la línea define y delimita, es continua y clara. Después va difuminándose hasta llegar a desaparecer. Hoy en día existe una recuperación de la línea (Pop-art, comic, diseño publicitario, etc).

6        Luz y sombras:

La luz permite ver la obra. En escultura y arquitectura esta luz es la real, natural o artificial pero en la pintura esa luz debe ser creada a partir del color. Por otro lado la luz crea sombras dependiendo del foco lumínico y por lo tanto crea gradaciones y volumen. Puede ser una luz suave o dura, creando así espacios determinados o indeterminados (tenebrismo) o fuertes contrastes que agudizan la expresividad.

7        Color:

Es el factor que debe someterse a un análisis más científico. Sus características con respecto al Arte son: el tono, primarios o binarios, la saturación, intensidad y predominio de un sólo color y el valor, proporción del color con respecto al blanco y al negro, por el cual deducimos que hay mucho o poco colorido. También existen colores fríos, como el azul y que tienden a alejarse y colores calientes como el amarillo o el rojo que tienden a acercarse. Por otra parte, el color modela y da luz a las figuras. Los colores al principios eran planos y simbólicos, después fueron cada vez más reales y graduados y hoy en día el color también se ha desvinculado de la realidad.

8        Espacio:

Es la extensión entre varios puntos o líneas si éste está definido o puede ser una extensión intangible e indefinida (una habitación o el espacio estelar). Es un elemento importante porque es el escenario de la obra, él condiciona y define el movimiento humano y puede ser agobiante, desmesurado, equilibrado, etc.

El verdadero arte del espacio es la arquitectura (encerrar espacios). Él condiciona toda la obra: el espacio semiesférico de una cúpula produce grandiosidad, liberación y unidad. El espacio de una nave longitudinal, por el contrario, constriñe, dirige hacia el altar, es un espacio camino que no libera sino que ordena.

El espacio en escultura se crea con la forma misma y con el punto de vista que el escultor elige para que sea vista. Hay por lo tanto un espacio intrínseco o interior y otro exterior o real.

El espacio en pintura nace con el Renacimiento y con la perspectiva lineal: se trata de un enrejillado con disminución de escalas y para hacerlo más patente se emplea a menudo una estructura manifiesta como columnatas en fuga o suelos ajedrezados. En el Barroco nace el espacio aéreo creado mediante la perspectiva aérea, en él se pinta hasta la atmósfera.

Existe, pues, una evolución desde el espacio primitivo, diagramático y jerárquico (un tímpano románico) hasta la disolución del espacio en tres dimensiones, para volver al espacio pictórico bidimensional del siglo XX.

9        Superficie:

Es la textura exterior de la obra. Define la obra y diferencia resultados finales. En relieves varía desde el bajo, medio o alto. Una escultura en piedra puede ser suave y pulida para reflejar la luz, sólo tamizada para dejar ver la textura de la piedra o bien dejarse tosca mostrando incluso las huellas de las herramientas para darle densidad y fuerza expresiva.

En arquitectura las superficies de los materiales definen también el resultado final, desde la piedra pulimentada o sillar para transmitir solidez e inmortalidad de la obra  al brillo del azulejo islámico para deslumbrar con el sol mediterráneo o al cristal de los rascacielos que transmiten una idea de futuro y perfección. En pintura las superficies pueden ser desde la textura grumosa y densa de la pintura matérica hasta la pincelada suave de las veladuras al óleo.

10     Modelo:

Con algunos de los elementos anteriores, luz y sombras, color y superficie, combinados de formas concretas, así se crean los modelos. Cuando un rasgo particular o uno de estos elementos o una combinación de ellos se repite con regularidad en las obras de un artista o de una escuela de artistas, es entonces cuando se habla de un modelo, P.ej: una planta basilical románica, la sonrisa leonardesca, el desmesurado volumen en desequilibrio de Miguel Angel, etc.

11    Composición:

Es el orden general de la obra si es que el artista la ha concebido con una cierta coherencia. Es la forma de combinar los elementos y las figuras, las diferentes secciones o partes de la obra. Existen composiciones primarias, esquemáticas o infantiles (por ejemplo poner una figura más grande que las demás si es más importante. Existen composiciones jerárquicas de espacios centrales y laterales, composiciones simétricas y racionales, triangulares y estáticas o diagonales y dinámicas, etc.

12     Estilo:

Es el carácter estético total. Es la forma en que el artista ha tratado todos los elementos. (no confundir con modelo, ya que éste último sólo afecta a un rasgo peculiar de la obra y no a toda su totalidad). Los estilos antiguos coinciden con fases históricas o civilizaciones: estilo grecorromano, gótico, románico, etc. Los últimos se suceden vertiginosamente y se conciben como vanguardias.

Los estilos son útiles si definen características generales y en ellos clasificamos obras, pero son nocivos si se consideran entidades en sí mismos, sin relación mutua, como compartimentos estancos, porque así encontraremos obras que no sabremos en qué estilo incluirlas. A menudo el estilo tiene que ver con el gusto popular (Gótico) pero en otras ocasiones no (Vanguardias)

13     Iconografía:

Es el tema de la obra, el contenido aparente o el profundo y escondido, es el mensaje, el trasfondo, etc. Hasta el siglo XIX casi siempre va relacionada con el poder político (mecenas) o el religioso. Al artista se le daba todo el programa iconográfico, con sus lugares, vestidos y disposición incluidos. El artista no incluía nada y los temas los elegía el cliente con ayuda de manuales iconográficos. También se le dictaba al artista los efectos de grandeza, magnificencia, austeridad o delicadeza. Si el artista no se atenía a estas peticiones (normalmente registradas en un contrato) la obra era rechazada y debería retocarla.

Así el gusto del cliente se convirtió en clientelismo y en cada época el Rey o la Iglesia determinaban la Iconografía y el estilo general. Por ejemplo en el mundo cristiano hasta el Renacimiento se prohibía la exposición de cuerpos desnudos a no ser que fueran la representación del alma o algún santo martirizado. En fases rigurosas del cristianismo tampoco se permitía el movimiento de las figuras puesto que así se marcaban las partes del cuerpo bajo los ropajes. En cambio los griegos, con otros poderes político-religiosos, apreciaban todo lo humano, incluido el placer físico, las proezas atléticas y la belleza de un desnudo ideal. Ni siquiera permitían ornamentos ni colores que eclipsaran la belleza del cuerpo.

Es así como la cultura de una civilización muchas veces determina la iconografía y, por medio de los temas, podemos saber cosas del subconsciente colectivo, de lo que ellos no podían ni explicar, de sus aspectos mágicos, de sus miedos, etc. La imagen cuando se convierte en símbolo, cuando su trasfondo es mucho más importante que su aspecto estético, puede llegar a ser muy poderosa: los Totems ahuyentan los malos espíritus y propician los favorables y cuando un pueblo conquistaba a otro se llevaban o destruían sus imágenes para privarlos de la ayuda de sus dioses. Para algunas tribus africanas, las fotografía arrebatan imagen a su propietario y por lo tanto fuerza. La bandera es una imagen con leyes que la protegen. La historia del cristianismo está llena de imágenes con poderes milagrosos. En definitiva, la imagen revela el aspecto más oscuro de las civilizaciones y de los hombres y por ellas podemos llegar al subconsciente colectivo del pasado como un psicólogo penetra en la mente de su paciente mediante sus dibujos.

La iconografía es todo esto, el sentido de las imágenes, su significado. Cuanto mayor es el peso iconográfico de una imagen menor es su peso estético. Pero también hay imágenes sin significado, destinadas a la mera contemplación estética.

14     Historia del Arte:

La obra de arte individual debe ser considerada en relación con su posición dentro de un esquema de desarrollo histórico si queremos entenderla. La Historia del Arte ayuda a la Historia en general pero no puede ser entendida sin ella, sin el contexto histórico.

Existe una evolución que se estructura en períodos y estilos más o menos homogéneos. Cada obra se incluye en uno de ellos y debe ser entendida en relación con esos períodos artísticos. Los estudiosos han intentado descubrir las leyes (si la hay) que rigen este cambio de estilos, la evolución artística, el motor del arte, y en relación a esto hay cuatro teorías.

14.1    Evolución técnica:

Cada generación aprende lo de la anterior y a partir de ahí sigue descubriendo cosas nuevas. Por eso cada vez el dominio de los materiales y de las técnicas son mejores. Sin embargo hay períodos de estancamiento (Egipto) e incluso retroceso (mundo tardorromano)

14.2    Evolución biológica:

Es una teoría que nace de Darwin y todo el positivismo de finales de siglo XIX. Entendemos la sociedad como un organismo vivo que de fases elementales pasa a fases mas avanzadas porque el hombre se perfecciona en la selección y las sociedades también, así como las naciones. Sólo las más preparadas perviven y dominan a las demás. Así surgen Historias del Arte por naciones o civilizaciones completas como la de Alemania, Italia, Persia, etc.

14.3    Evolución sociológica:

Hay una relación directa entre el Arte y las exigencias de la sociedad para la que se produce ese Arte. Conforme avanza la sociedad y su cultura y, sobre todo, su economía, también avanza su Arte, el cual se convierte en hegemónico si así lo es su economía. Pero entonces ¿cómo se explica que en una misma sociedad haya dos o más estilos diferentes o incluso antagónicos?.

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