ÚLTIMAS TENDENCIAS PICTÓRICAS

1.-Introducción

La fecha adoptada para establecer una línea divisoria entre la época de la construcción de la vanguardia artística y la proliferación de las múltiples tendencias postvanguardistas será la de 1945. De hecho, el panorama político y social cambió sensiblemente. Por un lado se produjo la división del mundo en dos grandes bloques irreconciliables y, por otro, asistimos a la confirmación de los Estados Unidos como la potencia económica más rica y poderosa del mundo. La peculiar estructura de la sociedad americana marcará las pautas de comportamiento del llamado “mundo libre” occidental. El arte último florecerá precisamente en la sociedad más capitalista del planeta.

Sin embargo, no se puede hablar de una total ruptura con las vanguardias históricas del periodo de entreguerras. Se trata, de hecho, de una reactualización de las ideas desarrolladas por las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. Por supuesto, los artistas radicalizarán aún más su postura con respecto a las técnicas, los materiales, los asuntos, llevando el fenómeno artístico hasta límites inusitados.

La radicalidad del arte contemporáneo ha provocado el divorcio entre el arte y el gran público. Esto empezó a ser así con el Impresionismo pero ahora se hace más patente aún. Los nuevos artistas dependerán cada vez más de lo que se ha dado en llamar el sistema de galería de arte/crítico, que creará su propio público y su propia clientela especializada. Estas galerías tienen unas reglas de mercado y, en algunos casos, se encuentran más cerca del marketing de empresa que de los valores propiamente artísticos. Estamos ahora muy lejos de la idea del artista comprometido política y socialmente.

El arte de las últimas tendencias será impulsado y dado a conocer por las nuevas instituciones creadas ex profeso: museos, galerías, ferias y exposiciones internacionales como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el de París o el de Roma, el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, la exposición de la Biennale Internationale de Venecia o la Bienale de París. Actualmente, España se ha incorporado a este circuito internacional con la Exposición Internacional Arco.

2.-El Informalismo.

Bajo este epígrafe se han agrupado una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto o el Arte Matérico y, que tanto en América como en Europa, se desarrollaron entre mediados de los años cuarenta y principios de los sesenta. Por informal se entiende la ausencia total de formas reconocibles, ya sean figurativas o geométricas. Se trata de un movimiento artístico que hace de la exaltación de los mecanismos irracionales y vitales su principal fuente creativa. Parte de esa línea subjetiva de la abstracción lírica y del expresionismo alemán.

Una serie de acontecimientos políticos en Europa, como la llegada al poder Hitler en Alemania y la posterior Guerra Mundial, hizo que una cantidad considerable de intelectuales, artistas, críticos y coleccionistas europeos se trasladaran a Norteamérica. Por su alejamiento de las zonas conflictivas, Nueva York parecía el escenario más fresco y desafiante para llevar adelante una nueva aventura estética. Nueva York se ve así convertida en la capital artística de Occidente.

Entre 1945 y 1947, un grupo de artistas norteamericanos, la mayor parte jóvenes, expondría sus obras en la Art of This Century Gallery. La presencia allí de los grandes maestros europeos (más que su atención) confirió a estos jóvenes la sensación de ocupar el centro artístico de su época. Sus nombres eran J. Pollock, W. De Kooning, F. Kline, etc. El crítico de arte del The New Yorker, Rober Coates, fue quien acuñó el nombre de Expresionismo Abstracto, debido al interés mostrado por algunos de estos artistas por el movimiento expresionista alemán.

Todos ellos no constituían un movimiento o escuela en sentido estricto pero, a pesar de ello, es posible distinguir algunas direcciones o facetas dentro del grupo: La gestual o de acción, La sígnica o caligráfica, La de los Logic Color Painters o espacialismo cromático y la surrealista.

La gestual o de acción era la más importante y, más que una tendencia, constituía un método: la acción de pintar es más importante que el resultado, el lienzo como el lugar donde se ejercita una actividad corporal. Las enormes dimensiones del lienzo posibilitaban que el cuerpo se involucrara en su totalidad en el acto creativo. El movimiento de muñeca o de brazo dio paso al movimiento corporal. Así en 1947, Pollock y De Kooning abandonan los pinceles para derramar las pinturas directamente en un lienzo situado en el suelo. A esta forma de pintar se la llamó el Action Painting. 

A finales de los años cuarenta estos artistas comenzaron a realizar así una serie de óleos casi en blanco y negro, los cuales causarían un gran impacto. Esta reducción cromática será otra de sus características más significativas. Esta gama tan sombría revelaba con mayor fuerza el dramatismo y la soledad de estos artistas ante las consecuencias negativas del reciente conflicto bélico.

Pollock perfeccionaría la técnica usando lo que se denomina como dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.

 

 

De Kooning, por su parte, es un pintor más contradictorio. Pretende mantener cierta figuración y exaltar la expresividad a través de la deformación de las partes del cuerpo humano o del rostro. Kooning yuxtapone a las manchas de color enérgicos trazos negros que preludian lo que finalmente será lo más característico de su producción: un entramado de líneas de poderosa vitalidad dominando la totalidad de la superficie plástica.

En la más celebrada de sus series, la de las Mujeres si se eliminan los ojos, los cuadros quedan sumergidos en la abstracción, y son ellos los que desencadenan el reconocimiento de formas, ponen orden en el caos de pinceladas y transforman ese torbellino de gestos vehementes en imágenes reconocibles, mujeres grotescas en la obviedad excesiva de sus rasgos sexuales y la tosquedad de sus facciones.

Toda la obra de Kooning está presidida por el deseo de lograr una interacción entre espacio y materia, entre la ilusión representativa y la cualidad plana de la pintura, a la vez que es una lucha continua para lograr un equilibrio entre el protagonismo expresivo del dibujo y la inmediatez emotiva del color.

 

Mark Rothko:  “Mis murales juntan en una sola casa unos colores que no pueden vivir juntos. La visión de la armonía dura sólo un instante, el momento antes de estallar y partirse en dos…Me doy cuenta de que, históricamente, pintar cuadros grandes se ha asociado a la pompa y a la grandiosidad. Yo lo hago para resultar intimista y humano. Cuando realizas un cuadro muy grande, lo pintes como lo pintes, tú estás dentro del cuadro”.

Capilla Rothko

El trabajo de Rothko se basa en obras, normalmente de grandes dimensiones y agrupadas en series, presentan muy poca variación compositiva y consisten básicamente en rectángulos de varios colores que se suceden paralelamente de arriba abajo, con bordes ligeramente irregulares en las zonas de separación tonal. La intención del artista se apoya así en un enfoque basado en los colores puros en el espacio. Encuentra en el color, a manera de campos de color, el único medio de expresión utilizando grandes formatos y colores flotantes paralelos -suspendidos- al plano de la pintura, recreando, así, un espacio indeterminado. Restringe el trabajo a dos o tres suavizados rectángulos que casi llenan la mayoría de la superficie en vertical del lienzo a manera de un ícono abstracto.

 

Franz Kline inventa hacia 1950 con su gesto pictórico un nuevo signo, una caligrafía, pero esta vez de dimensiones gigantescas y completamente abstracta. Los macrosignos de Kline recuerdan la caligrafía oriental -aunque el pintor negó siempre cualquier influencia de Oriente- sometidos a una ampliación exagerada. El brochazo de Kline es furioso, como una gruesa y tosca tachadura de las que se hacían para tapar las pintadas políticas de las calles e impedir su lectura, aunque, como el mismo artista se ha encargado de aclarar, no se trata de trazos negros sobre el fondo de la tela: Kline pinta tanto el blanco como el negro y los dos tienen para él la misma importancia.Con sus brochazos característicos, Kline se sitúa en la misma línea de acción, gestual y apasionada que Pollock.

 

Lucio Fontana, pintor de carrera larguísima y de amplias indagaciones empezó a ser especialmente valorado por sus “Lienzos agujereados”, que consistían en lienzos monocromáticos a los que les practicaba unas incisiones con un cúter o una hoja de afeitar. Otros de sus cuadros eran realizados con clavos y otros objetos con el fin de demostrar artísticamente que el espacio tridimensional está presente en todos los objetos.Esta corriente es conocida como Espacialismo  y propone ante todo la simplificación de las formas intentando captar en las obras el movimiento y el tiempo. Proponían crear un nuevo arte a través del cual se pudiera mostrar el verdadero espacio del mundo.

 

Dubuffet está vinculado en particular a una corriente denominada art brut, tendencia que toma como referencia el arte popular, el arte de los niños o el de los enfermos mentales; se aspira con ello a una forma de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación técnica. La importancia del arte de Dubuffet radica, por ello, en haber sido uno de los primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y las técnicas tradicionales. Es el suyo un estilo muy personal caracterizado por unas imágenes simples y primitivas realizadas con gruesos empastes sobre lienzo, algunas de sus obras serán auténticos montajes hechos con objetos encontrados y otros elementos pretendiendo crear un todo tridimensional.

En Europa, el Informalismo surgió, en primer lugar, en la llamada Escuela de París, impulsado por Michel Tapié (creador del término Informalismo).

En España esta tendencia tuvo dos vertientes: la Escuela de Madrid, denominada grupo El Paso, formada por M. Millares, A. Saura, R. Canogar, L. Feito, L.Muñoz, M. Viola y M. Rivera y la Escuela Catalana o grupo Dau al Set compuesta por A. Tàpies y R. Vallés, Cuixar, entre otros. Todos ellos desarrollaron varias técnicas en torno a esta línea subjetiva de abstracción: la gestual (equivalente europeo del Action Painting), la caligráfica o sígnica, la manchista y la matérica. En esta última se le da mucha importancia a la materia utilizada para componer el cuadro: cortezas, arpilleras, trapos, telas metálicas, materiales de desecho, etc.

Dentro de el grupo El Paso M. Millares tendrá varias etapas. En la primera trabaja con influencias del pasado remoto canario y del ámbito surrealista, destacan Aborigen nº 1 y las Pictotgrafías.

Con posterioridad construye los Muros. Aquí investiga el valor de la superficie, reduciendo el número de signos de sus pictografías e introduciendo nuevos materiales, como arpilleras (tejido de estopa muy basto usado para hacer sacos), tierras, pedazos de cerámica, etc. Organiza de forma más ordenada la imagen y amplía su escala. Ensalza el valor de la materia como vehículo de expresión. Su paleta se reduce, es muy sobria, predominan el marrón de la arpillera, el negro, el rojo y el blanco.

 

A. Saura será otro importante representante del grupo. Otro miembro que comenzó por una aproximación al surrealismo, con posterioridad adopta un estilo gestual y una pintura radicalmente abstracta, colorista, de concepción orgánica y aleatoria. Empieza a pintar ocupando el espacio del lienzo de varias y muy diversas maneras, creando estructuras formales propias que no dejará de desarrollar. Con el tiempo tenderá al «primitivismo» y limitará su paleta a blancos, negros y marrones, además de perseguir incesantemente la imagen icónica de mujer de los pueblos neolíticos.

Dentro de Dau al Set destaca Antoni Tàpies. Su estilo se define por la palabra matérico, en referencia al uso de elementos de enorme y a veces chocante y humilde fisicidad, hasta vulgaridad, trascendidas por una dimensión espiritual cuyas raíces conectaban con lo más íntimo y ancestral del alma humana. En esta primera etapa es indiscutible la influencia del Surrealismo y de Miró.

Hacia 1949, renunciando a los efectos de la materia, se dedica a crear cuadros en los que predominan los tonos grises, aunque con interrupciones de importancia variable de colores vivos (verde, rojo), y en los que aparecen impresiones textiles, signos (semicírculos, triángulos) y letras deformadas.

En 1954 da entrada de nuevo a la materia: trabaja los cuadros con argamasa (mezclando al óleo mármol pulverizado y usando pigmentos en polvo disueltos en látex) para reencontrar la tradición secular de un mundo fosilizado, de colorido desvaído.

Su etapa posterior a 1965 pertenece a la neofiguración y al arte pobre: arpilleras, objetos rústicos y objetos cotidianos se funden en una obra que llegó a alcanzar difusión universal.

Ademas desarrolló una importante labor como escultor y teórico del arte publicando numerosos ensayos.

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3.-Arte Pop

A mediados de los años cincuenta aparece esta tendencia, abreviatura de la expresión inglesa Popular Art y se refería al arte popular que estaba creando la cultura de la publicidad de masas. Más tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de “arte culto” o de “élite”.

El movimiento surge en Inglaterra entre un grupo de artistas y críticos entre los que destacaba Richard Hamilton. Los artistas del Indepent Group, partidarios de una exploración intelectual y fuertemente crítica respecto a la cultura de masas, eran partidarios de un arte fuertemente urbano, que reflejara las sugestiones procedentes del consumo y los medios de masas, y centrado en una estética agresivamente contemporánea. En el fondo seguían un postulado de Courbet, que en 1861 decía:»…la práctica del arte debe hacer que el artista se sienta implicado en las ideas y los objetos de la época que le ha tocado vivir…»

Imágenes del Profesor Jairo Torres (SlideShare)

El arte de Richard Hamilton se basa en la transgresión de una inmovilidad que había paralizado buena parte del arte inglés en torno al paisajismo y a una idea intemporal del «buen gusto». Es un arte urbano, provocador, cargado de humor, colores chillones. También barato, ingenioso que abogaba por la producción en serie, la cultura de masas y lo efímero.(Puede parecer que alguna obra está repetida, pero no es así)

El Arte Pop subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Supone la aceptación y la intelectualización por parte del artista de la realidad urbana y de la sociedad capitalista para trasladarla al arte y esto era algo revolucionario. Pero a pesar de esto y de su nombre, no es un arte dirigido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la temática. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes y ajeno totalmente a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

Su repertorio temático, extraído del fenómeno de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción, se compone de coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas extraídas del campo de la publicidad o del mundo del cómic, fotografías estampadas en la tela, objetos de consumo como la Coca Cola, mapas de los Estados Unidos, banderas norteamericanas, hamburguesas gigantes, salchichas, batidoras, máquinas de escribir, etc.

Pero fue en los Estado Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de los años sesenta. El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del Expresionismo Abstracto. Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.

Muy pronto el Pop Art se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacer frente al entorno urbano americano. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.

El Pop fue un medio para crear obras de arte casi totalmente a partir de elementos preexistentes, donde la contribución del artista estaría más en el hecho de establecer conexiones entre los objetos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos nuevos.

Entre los artistas norteamericanos más representativos del Pop Art cabría citar a C. Oldenburg, R. Lichtenstein, J. Johns, A. Warhol y T. Wesselmann.

C. Oldenburg

«Estoy a favor de un arte que saque sus líneas de la vida misma, que se tuerza y se extienda y acumule y escupa y chorree y sea pesado y vulgar y directo y dulce y estúpido como la vida misma.»

Oldenburg será conocido también por sus grandes esculturas al aire libre.

R. Lichtenstein

En su etapa temprana, Roy Lichtenstein estuvo fuermente influenciado por el Cubismo y el Expresionismo de artistas europeos como Pablo Picasso o Paul Klee.

Es en 1961 cuando sienta las bases del que serán su técnica y estilo característicos: versiones de imágenes de la cultura popular reproducidas a base de coloridos puntos Ben-Day, claras líneas que definen los contornos, la estilización y abstracción de las figuras y cuidadas composiciones. Un estilo con los fundamentos básicos extraídos de la técnica de impresión empleada en cómics, pero extrapolada a la pintura manual de gran formato y colores vivos. Técnica que explora también en sus esculturas, dando una sensación bidimensional a objetos tridimensionales. Para la creación de puntos Lichtenstein experimenta con distintas técnicas como la pintura el óleo, el uso de resinas acrílicas Magma o el uso de sus propias plantillas.

T. Wesselmann

Su intención es convertir en productos de consumo géneros clásicos de la pintura. En los desnudos las mujeres lucen expresiones esquemáticas con rostros que sólo tienen una sugerente boca y cuerpos en los que destacan los pezones, la naturaleza muerta parece de plástico, el paisaje es apenas un apunte. El humor, la sensualidad, las composiciones dinámicas y la experimentación (presentes también en creadores coetáneos como Warhol, Lichtenstein y Rosenquist) fueron las señas de identidad del destacado artista pop. Nunca le gustó que etiquetaran su arte como pop. Representaba objetos diarios (una botella de vodka, un volkswagen escarabajo, pan de molde, cigarrillos, un avión de Pan Am, una gasolinera…) con fines estéticos, maravillado por las texturas brillantes, los tonos chillones y el lenguaje persuasivo de la publicidad.

J. Johns

En 1954 comenzó a pintar obras de un modo radicalmente diferente al expresionismo abstracto que dominaba la escena artística estadounidense en aquel momento. Sus obras se centraban en temas tan conocidos como dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de arte-como-objeto se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores; solía integrar objetos tridimensionales a sus pinturas. Hacia finales de la década de 1950 sus obras comenzaron a mostrar una composición más libre y suelta. En algunas añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas y compases. Comienzo falso (1959, Colección Scull, Nueva York), en la que utiliza una plantilla para pintar intencionadamente etiquetas erróneas y manchas de color sobre los objetos pintados, es una obra llena de humor y juegos de significados, precedente del Pop Art.

 

A. Warhol

Tal vez una de las figuras más importante de la Historia del Arte mundial.  Pintor y cineasta estadounidense, líder del movimiento Pop Art. Su verdadero nombre era Andrew Warhola y nació en Pittsburgh, Pennsylvania. Estudió en el Carnegie Institute of Technology. Empezó su carrera como artista comercial en Nueva York. En la década de 1960 atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como Lata de sopa Campbell (1965, Leo Castelli Gallery, Nueva York) y Botellas de Coca-Cola verdes (1962, Whitney Museum of American Art, Nueva York), o de estrellas famosas como Marilyn Monroe (1962, colección de Mr. y Mrs Burton Tremaine). La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos o celebridades cotidianas y que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito. Warhol siguió una dirección similar en su trabajo cinematográfico experimental, como The Chelsea Girls (1966), un semidocumental de siete horas. Más tarde, filmes más complejos como Lonesome Cowboys (1969) y Trash (1970), están también marcados por la improvisación en el diálogo, la ausencia de trama y el extremado erotismo. Entre las publicaciones de Warhol se encuentran Mi filosofía de A a B y de B a A (1975) y America (1985), una colección de mordaces fotografías sobre la vida en Estados Unidos. De 1969 hasta su muerte publicó Interview, una revista mensual con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento. Principalmente consideró que el arte también podía consistir en la repetición de una imagen, hasta hacerla machaconamente visible, hasta conseguir que esa imagen quedase archivada en el cerebro del espectador: la seriación: una especie de producción industrial aplicada al arte. La serigrafía, técnica moderna y su desarrollo para la imprenta a color, fue su herramienta pictórica. Con la serigrafía, Warhol revolucionó el concepto existente de autenticidad y cuestionó profundamente la importancia de la mano de obra del artista como ejecutora.

El objeto, imagen o idea que captura y decide como tema del cuadro, pasa a ser “modernizado” o “vestido” con el estilo warhol que sería:
– Tintas planas y juegos simples de textura visual.
– Juegos cromáticos de repetición y relaciones. (Aunque los colores puedan ser complementarios y estridentes se reparten de forma armónica y equilibran la imagen, no hay tensión final, sino belleza y armonía).
– La línea y os contornos remarcados (del estilo cómic y también cómo la línea sensible, que consiste en trazar las siluetas fiel a la forma)
– El arte de encajar la imagen correctamente, de modo que los elementos armonicen.

Hay opiniones que colocan a Warhol como un elitista que contribuyó a la banalización del arte, su perdida de valor como «gran Arte». Su tendencia y gusto por la fama y el dinero no contribuyeron a eliminar esas críticas.

 

 

4.-El Hiperrealismo.

En 1966 tuvo lugar en el Guggenheim de Nueva York la exposición programática The Photografic Images, en la que se dio a conocer al público una serie de artistas (pintores y escultores) obsesionados por la reproducción casi literal de la realidad. Son los llamados hiperrealistas. Las obras se anunciaban con el siguiente rótulo: “Atención, no hay cámara fotográfica”. Sin embargo la fotografía constituyó una parte esencial en la obra de estos artistas, muchos de los cuales se servían habitualmente de dicho medio como modelo.

A principios de 1972 el Hiperrealismo se dio a conocer en Europa como una de las últimas novedades de la vanguardia. El Hiperrealismo aparece como sucesor del Pop Art y, en cierta forma, vinculado a él. De ahí su interés por los aspectos triviales de la sociedad de consumo y por las imágenes populares de la cultura “underground”.

Aunque se trata de un movimiento artístico nada unitario, podrían establecerse, sin embargo, dos tendencias dentro del mismo: una más vinculada al realismo fotográfico de origen Pop y otra más conectada con la tradición pictórica occidental, en la línea del academicismo burgués (retratos, interiores, desnudos clásicos, paisajes, etc). Pero existen notas comunes a las dos tendencias como la exactitud y la sobriedad de la representación, su carácter distanciado y frío, el recurso a procedimientos ilusionistas y el uso de la cámara fotográfica. Sus representantes más importantes serían: Chuck Close, Richard Estes, Don Eddy, Audrey Flack, Duane Hanson y Antonio López.

Chuck Close

Caracterizado por retratos en blanco y negro, más tarde introduce el color, que evidencian una impresionante aproximación a la realidad. Usa la fotografía como información para la pintura y nunca usa una sola, sino que parte de fragmentos de numerosas fotos. Según sus ideas lo que más le interesa es la artificialidad y de su concepción pictórica deriva un sentido de la impersonalidad, casi frialdad, que le aproximan al minimalismo.

Richard Estes

Dedicado a reflejar con increíble detallismo las tiendas, cabinas telefónicas, paredes acristaladas de edificios inmensos o calles con sus señales de tráfico. La luz de sus lienzos busca aquellos momentos más brillantes del día, sintiéndose especialmente atraído por las superficies metálicas, los cristales y los espejos, que le permiten recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos. Aunque se acercan mucho a la visión del mundo que aporta una fotografía y Estes se basa en ellas paras sus composiciones, no las utiliza para imitar la realidad, sino para reconstruirla con una nitidez mucho mayor que la que permite la observación directa.

 

Don Eddy

Su obra hace referencia constante a los coches o a fragmentos de los mismos, siempre limpios y brillantes. Don trabaja también a partir de fotografías y usaba un aerógrafo, algo que le acarreó numerosas críticas.

Audrey Flack

No dudaba en decir que «Nikon se convierte en una prolongación de mis propios ojos». Se mueve en temáticas relacionadas con las Vanitas barrocas, en las que la mezcla de elementos produce una sensación abigarrada, próxima al horror vacui.

Duane Hanson

Durante mucho tiempo, Hanson concebía sus esculturas a partir de un espíritu de protesta social contemporánea y movimientos de agitación política. Las temáticas variaban entre la desigualdad racial y el peligros de lo ilegal, fue donde se destacaron las mayor convicciones del artista. Trabaja con fibra de vidrio lo que le permite obtener un acusado verismo. Sus figuras son a tamaño real con ropas autenticas y objetos reales, el resultado final resulta impactante.

Antonio López

Artista español, será el más destacado de un grupo afincado en Madrid y compuesto por: Julio L. Hernández, Francisco López e Isabel Quintanilla. Las temáticas de Antonio López son diversas destacando la figura humana, posteriormente las visiones de calles de Madrid y algunas naturalezas muertas. Emplea una maravillosa gama cromática que le permite generar atmósferas peculiares. Del mismo modo sus esculturas, tallas en madera,  son cálidas y humanas.

 

5.-Arte Cinético y Op Art

El Arte Cinético es el arte que conlleva movimiento. Desde los primeros tiempos los artistas han tratado de reproducir el movimiento, como el movimiento de hombres y animales. No obstante, al artista cinético no le preocupa representar el movimiento; lo que le importa es el movimiento mismo, es decir, el movimiento real incorporado a la obra. Las obras dinámicas, los llamados móviles, están más asociados a la escultura por cuanto que se desarrollan en un espacio tridimensional real.

Del Arte cinético deriva el Op Art o Arte Óptico. En él la preocupación máxima es la de conseguir la impresión de movimiento, conseguir el movimiento virtual a través de la pintura. La obra parece expandirse y contraerse, avanzar y retroceder, hay partes que simulan girar, saltar sobre el lienzo, surgir o desaparecer, sin embargo no hay nunca movimiento real.

El Op Art nace como una derivación de la abstraccción geométrica y se encuentra muy ligado al Constructivismo (además de al Arte Cinético). Sus obras persiguen la estimulación de la retina, con la consiguiente provocación de reacciones fisiológicas visuales que producen la sensación ilusoria de movimiento. Es movimiento virtual a través de efectos ópticos que recurren a la psicología de la percepción.

El movimiento aparece hacia la mitad de los años sesenta y busca la ilusión óptica apoyándose enteramente en medios pictóricos. Según el tratamiento que se hace de la luz y del color se podrían diferenciar dos tendencias: el Op Art cinético que busca movimientos en espacios tridimensionales simulados y el Op Art estático que lo hace sobre el nivel bidimensional del cuadro y a partir de blancos y negros, provocando efectos de cascada por círculos concéntricos o en espiral o efectos de cruce de franjas, etc.

Las figuras más representativas de este movimiento son: B. Riley,  Richard Anuszkiewicz y Jean-Pierre Vasarely (AKA Yvarald).

Briget Riley

Sus peculiares obras basadas en ilusiones ópticas han dado la vuelta al mundo, actuando como modelo de inspiración para artistas actuales. Riley desarrolló sus conocimientos en dibujo en la Royal Academy of Arts de Londres, alcanzando la popularidad a partir de 1960. Uno de los principales objetivos de la artista es desafiar la mirada del espectador a través de formas geométricas y estructuras visuales complejas. De esta forma, logra que el receptor se adentre en cada uno de sus cuadros, haciéndolo partícipe. En muchas de sus obras utiliza el blanco y el negro, adaptándolo a formas simples como cuadrados, líneas u óvalos. El color no se aprecia en las obras de Riley hasta comienzos de la década de los 70, momento en el que empieza a experimentar con otras formas geométricas. Además, el color se convierte en el elemento principal de la pintura, no como un mero recurso embellecedor, sino que produce en el receptor un efecto óptico de movimiento.

 Richard Anuszkiewicz

Pintor y grabador estadounidense, sus obras geométricas parecen vibrar a través de sus formas en blanco y negro o por la interacción de colores violentos. Nacido en Erie, Pensilvania, estudió en el Instituto de Artede Cleveland y en la Universidad de Yale con Josef Albers que, poraquel entonces, estaba experimentando con cuadrados de color. La característica más importante de su obra es el empleo del color de manera luminosa ya que es ese concepto, el color, y su función lo que más le interesan.

Jean-Pierre Vasarely

Más conocido como Yvaral y como uno de los precursores del arte digital, consistente en transcribir sobre un soporte acrílico sobre tela una imagen descompuesta a partir de una fotografía. Yvaral comienza sus primeras investigaciones en torno al arte abstracto constructivo en 1954, después de estudiar artes gráficas en la Escuela de Artes Aplicadas. Fue uno de los fundadores en 1960 del Grupo de investigación de Arte Visual (GRAV). Su trabajo se centró en la producción de efectos de aceleración ópticos que sugerían el movimiento, la proyección y la recesión. A través de su búsqueda de un vocabulario digital geométrico conciso se dirigió a nuestras nociones de espacio y tiempo a través del desplazamiento del espectador.

6.-Conceptos de últimas Tendencias

6.1.- Art Mínimal o Minimalismo

• En los años 60 un grupo de artistas USA reacciona contra los valores del expresionismo abstracto (subjetividad, emotividad, pintura gestual e improvisación)
• Los principales representantes del Minimalismo fueron Judd, Flavin, André Carl y R. Morris. Sobre todo éste último junto con Judd.
• Todos ellos están interesados en la construcción de objetos tridimensionales y en la creencia de que una obra de Arte debía ser concebida completamente en la mente del artista antes de ejecutarla. Era más importante la idea inicial que el proceso, el concepto era más importante que el objeto.
• Las formas mínimal son tridimensionales y geométricas, cúbicas y modulares (módulo repetido). Sencillez extrema y repetición. Estas formas están desprovistas de todo significado, no hay iconografía.
• La igualdad de las partes componentes, la repetición, las superficies neutras, hacen que la obra se vea como algo que podría continuar sin límites. Si la idea prevalece sobre el objeto, éste debe ser sencillo, desnudo.
• El Arte Mínimal se convirtió en una estética de moda durante los años 60 y 70 y de ahí se extendió a la poesía, la danza, la música (Philip Glass, Nyman o Mertens)

Donald Judd

Dan Flavin

André Carl 

Robert Morris

 

6.2.-Arte Conceptual

• Fue la lógica evolución del Art Mínimal. El Conceptualismo cuestiona la validez del objeto artístico tradicional y emplea los conceptos, las ideas, como material. Si la forma física no es esencial para las ideas, y puesto estas ideas son el punto inicial de la obra de Arte, los artistas coceptuales proponen que los objetos artísticos no sean necesarios.
• Estas ideas se transmiten mediante la escritura, fotografías, documentos, mapas, films o videos que hacen alusión a la idea, al concepto. Si hay objeto, éste debe ser mínimo.
• Sus principales representantes son USA: Le Witt, Kosuth, Venet, Joseph Beuys y el grupo británico Art & Language.

Sol Le Witt

Joseph Kosuth

Bernar Venet

Joseph Beuys (Pendiente de un Post para él solito)

 

«Todo ser humano es un artista»

A título personal es el artista más interesante del S XX (junto a Picasso y Duchamp). Artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al Grupo Fluxus. Poseedor de un lenguaje único que raya entre lo inverosímil y la chamanería (de chaman, hombre santo de algunas religiones).

Joseph Beuys nació el 12 de mayo de 1921 en Krefeld. Durante la guerra fue piloto. Después estudió escultura en la Kunstakademie de Düsseldorf, donde también fue profesor de 1961 a 1972. En los años 70 y 80 desarrolló actividades en todo el mundo. Sus obras fueron exhibidas en la Bienal de Venecia, el Guggenheim Museum de Nueva York y el Seibu Museum of Art en Tokio. En 1979 se presentó como candidato de Los Verdes para el Parlamento Europeo. Murió el 23 de enero de 1986 en Düsseldorf.

Sería imposible abarcar toda su obra en un/unos párrafos. Profundamente intelectual, artista de lo efímero,  se dejó influenciar por Duchamp y sus ready-mades , realizó algunas de las performances más importantes de la Historia del Arte…inabarcable.

No sabía donde incluirle, le voy a dejar sin texto a la espera de un post individual, pronto.

6.3.-Happening

• Del verbo inglés to happen -sucede- y, por derivación: -ocurrir sin premeditación, sin que se espere-. Es arte relacionado con la teatralidad, con un modo de representación donde el factor tiempo es determinante y que se opone al constreñimiento del marco y a la división de las artes en territorios estancos.
• El precedente eran los environments –entornos-, arte para implicar al espectador -el cuerpo del espectador- en la propia obra de arte. Se trataba de esculturas, muebles, espacios construidos para ser paseados, para ser deambulados: un arte participativo donde el público no se limitara a mirar.
• Los entornos y happenings rompen definitivamente con la noción de marco. Se venderán también como idea y se expondrán en museos, reinstalándose incluso después de muerto el autor.
• En los happenings se quería, además, flirtear con el azar, con lo inesperado, animar al público a desencadenar lo inesperado con su aquiescencia o su indignación, aunque poco a poco se irían convirtiendo en performances -actuaciones con un guión más cerrado.

Yves Klein aparece como padre del Body Art y del Happening el 9 de marzo de 1960 cuando se ejecuta su Sinfonía Monótona. Unos músicos tocan lo que él había compuesto -una nota repetida diez minutos y seguida de un silencio-, mientras dos mujeres desnudas (pero con el pelo recogido en un moño italiano perfecto) se embadurnan de pintura y, ayudándose una a otra, se tumban sobre papeles blancos y dejan la huella de su cuerpo en ellos. Klein, como un espectador más (con traje y corbata), en medio de señoras elegantes y cargadas de joyas, observa el desarrollo de esta obra de arte que él había concebido y en la que se unían teatro, música, pintura y performance.

6.4.-Arte Póvera

El nombre surge de una exposición en el Museo Cívico de Turín en 1970. Es un movimiento italiano que realiza un arte anticomercial, efímero, trivial, preocupado por las cualidades físicas del material y su mutabilidad. Hay un compromiso de los artistas povera con los materiales reales y cómo cambian con el tiempo. Bajo esta denominación se acumulan obras realizadas, sobretodo, con ese tipo de materiales considerados «pobres»: paja, arena, piedras, ramas, hojarasca, fragmentos de metal, trozos o piezas de loza, vidrio en los mismos estados que la loza, materiales cotidianos de consumo urbano,…

Los artistas más comprometidos con esta tendencia son Jannis Kounellis, Mario Celori y Mario Mertz.

Mario Mertz empezó como pintor del Informalismo en la década de los 50. A mediados de los 60 se interesó por el entorno y amplió su capacidad creadora sin limitar la expresión artística a un solo modo de expresión. Se distingue en su obre un interés marcado por confrontar materiales diversos que permitan establecer contrastes. De esa idea se deriva el uso sistemático de tubos de neón que enfrentados a sacos de arena de pequeño tamaño permiten confrontar lo opaco con lo transparente, la fuente de luz con la sombra,…En Igloo de Giap (1968)  recurre a una estructura de casquete semiesférico para trabajar el espacio. Partiendo de esta obra empleará con frecuencia la configuración del igloo, que relaciona de forma simbólica con la cúpula y que establece la posibilidad de que asuma como arquitectura o como escultura.

Jannis Kounellis tiene un repertorio de materiales insólito, tanto por la variedad como por lo increíble de lo que usa para sus para sus obras: carbón, algodón, sacos de cereales, café, materiales de derribos, fuego, animales muertos, animales vivos,…A través de sus instalaciones intenta crear una tensión lo suficientemente fuerte para que sirva para generar una ruptura en el fenómeno de comunicación artística.

Mario Celori, influeciadopor otras corrientes, usa siluetas de objetos realizados en madera, sin color, a menudo repetidos en serie y relacionados con un espacio que se convierte en tema esencial.

6.5.-Land Art y Postmodernismo

 El Land Art es un intento de sacar el Arte a la Naturaleza, integrando elementos artificiales o alterando los naturales. No se pretende una obra estable sino todo lo contrario, entornos que evolucionan junto con el resto del paisaje, en otras palabras emplea el propio espacio natural como soporte de la obra. Sobre el propio paisaje el artista lleva a cabo una serie de manipulaciones y transformaciones. La obra suele adquirir unas dimensiones monumentales con la escala del territorio donde se ubica. Su presencia en museos o galerías se limita al soporte en el que se documenta la intervención, fotografías en la mayoría de los casos. Es un arte que se distancia de la relación con el espectador, está pensado para su existencia en la soledad de los espacios naturales.

Sus representantes más importantes son Robert Smithson, Christo y Jeanne-Claude (matrimonio), Richard Long y Dennis Oppenheim.

Robert Smithson es uno de los artistas claves de su generación ya que funcionó como bisagra entre varias corrientes, participó en el minimalismo, el conceptual, y realizó las primeras earthworks. Plantea algunas de sus obras como recuperación de espacios alterados por la industria. Su trabajo supone una alteración del entorno y de la propia obra al enmarcarse en esos entornos naturales.

Richard Long es un artista más marcado por el recurso a lo efímero, la acomodación del trabajo artístico al ritmo de la naturaleza. Su obra es tan efímera como la belleza cambiante del entorno natural, después de milenios representando, imaginando y creando el paisaje, aboga por una intervención directa y modificación del mismo. Poético y espiritual, sus obras desaparecen según el ritmo vital del entorno, busca la experiencia solitaria e individual, el concepto del paseo continuo por los espacios naturales en tres niveles de interacción: experiencia, acción e información. Su actitud está menos orientada a la modificación a gran escala del paisaje y más a la experiencia estética de la interacción con el mundo natural.

Dennis Oppenheim recorrió muchas corrientes y en el caso de su trabajo con el espacio natural está menos identificado con la modificación y más con la exploración del lugar en si. Poco a poco el enaltecimiento del proceso de trabajo más allá del resultado final, que traía consigo una consolidación de la acción y del trabajo fuera del estudio o el progresivo rechazo a la necesidad de producir de objetos vendibles será el motor de su obra.

Christo y Jeanne-Claude, muchísimo más famosos que cualquiera de sus compañeros de viaje gracias a la mediatización de sus trabajo y sus últimos proyectos, es una pareja enfocada a la espectacularidad y lo descomunal de sus proyectos. Alejados de sus compañeros en su vertiente de relación con lo natural persiguen un efecto estético que les hace exceder los limites del Land art. Su técnica pasa por «envolver» grandes espacios humanos o separar mediante telas espacios naturales. Al envolver se busca  cambiar la percepción y relación que se tiene ya sea con la construcción o con el paisaje circundante. Para ello se emplea un material dúctil, que permite dar cuenta del objeto o elemento que esta siendo intervenido, pero que por las propiedades propias y opacidad del material se reduce a su forma o aspecto más esencial, desapareciendo los detalles y exaltando su condición más plástica, lo cual se ve acentuado mediante el uso de colores y contrastes radicales.

Postmodernismo es un término que surge a finales de los años 70 y que se aplicó a la Arquitectura, Literatura y Artes como el Pop Art, Conceptual, Instalación –Happening, Perfomance, Body Art y Arte Póvera. Engloba a todas las Vanguardias Históricas en la Modernidad y reacciona contra ellas por estrechas, dogmáticas, formalistas y socialmente distanciadas. Es pues un movimiento artístico global y difuso. Complejo introducir nombres o corrientes, algunas características podrían ser:

• Frente a la idea de progreso, evolución e innovación de las vanguardias artísticas, el arte posmoderno defiende la cultura popular, la hibridación; se caracteriza por el eclecticismo, la mixtificación, el “nomadismo” (ir de un estilo a otro), la “deconstrucción” (tomar elementos estilísticos del pasado), etc
•  La postmodernidad vuelve a los métodos clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcolanza de estilos, cayendo en la repetición, la reinterpretación; el resultado es esta mezcla indiscriminada de temas y estilos.
•  El artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Suelen ser obras figurativas (aunque sin rechazar lo abstracto), con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario.
•  Los artistas posmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos.
• Asi mismo, mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a las derivadas de la nuevas tecnologías.
• Todo ello lo reinterpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva, sin pretender evocar algún tipo de concepto o enviar ningún mensaje. Asumen el arte como objeto y como finalidad en sí mismo, no como vehículo de transmisión de una realidad cultural circundante.