LA ESCULTURA CONTEMPORÁNEA

1 La renovación escultórica del siglo XIX: Rodin

El Impresionismo era un movimiento fundamentalmente pictórico, pero ejerció en las décadas finales de siglo una influencia profunda en la música, la literatura y la escultura. En principio no parecía la escultura el procedimiento idóneo para representar los cambios constantes de luz en la naturaleza. No obstante algunos maestros supieron introducir juegos lumínicos en sus esculturas mediante una renovación de sus técnicas y de entre todos ellos sobresale Auguste Rodin.

La personalidad de Rodin desborda los límites del impresionismo. Su obra fue rechazada por sus contemporáneos a excepción del Beso que disfrutó de aceptación popular. Fue en un viaje que realizó a Bruselas en 1871 cuando descubre los efectos del Barroco Flamenco, la vida que bulle en las obras de Rubens. En 1875 viajó a Italia y quedó seducido por el sentimiento de «terribilitá» de Miguel Ángel.

A partir de entonces su arte rompió con todos los cánones académicos. Gozó del favor de los críticos e incluso del arte oficial ya que realizó varios encargos para el Estado, sin embargo, el gran público no entendió su arte y se burlaban de sus obras. En esta segunda fase se incluyen obras como El beso y El pensador, donde el deterioro de las anatomías anuncia las deformaciones del Expresionismo.

El principal componente en la escultura de Rodin es el movimiento y después la luz. En él se funde una técnica impresionista que, con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos causada por el movimiento, obtiene efectos de luz cambiante. En El pensador se refleja notablemente su influencia Miguelangelesca.

2 La escultura del siglo XX

EL INICIO DE LAS VANGUARDIAS: EL IMPRESIONISMO

1. Introducción

Podemos decir que empieza a partir de 1863, con la primera exposi­ción no oficial.  Y es que las Vanguardias empiezan cuando se producen los primeros cambios en la producción, distribución y consumo de las obras de Arte.

A.- Producción: Antes había un encargante (mecenas o no) y el artista se sometía al encargo.  Esto cambia en 1874. A partir del Impresionismo el artista crea la obra por su cuenta, libremente, sin encargos.  Pero esto es así porque también se ha alterado el proceso de distribución.

B.- Distribución: Antes el artista se formaba en las Academias, siguiendo unas nor­mas oficialistas y normas que se consagraban por los jurados oficiales (formados por artistas ya consagrados).  Esas normas se quedan para el Estado y sólo por este camino el artista podía triunfar y vender sus obras.  Pero esto cambia a partir de 1863.  Unos pintores rechazados, que no han pasado por los salones oficiales, exponen por su cuenta en los salones que ellos mismos llamaron de Los rechazados.  Así conseguían independencia frente al poder académico y estatal.  En este grupo esta­ba Courbet, Manet y otros.  Ellos inician este nuevo proceso que cuaja ya en el Impresionismo. Ellos hacen las exposiciones por su cuenta, rompiendo con el antiguo sistema de distribución y generando otro nue­vo: Los marchantes y las Galerías de Arte: el profesional entendido que se dedica a comprar y vender cuadros. Este sistema al principio no funcionó y los pintores pasaron hambre (típico pintor bohemio y pobre) pero a principios del siglo XX los Marchantes y las Galerías tomaron el papel de las Academias: ahora la Galería crea la moda, orienta a los pintores.

La capital del Arte pasa de Roma a París a partir del Impresionismo. Sigue habiendo un Arte Oficial con capital en Roma pero el nuevo Arte de vanguardia tiene su capital en París hasta 1945 cuando se traspasa a New York hasta hoy.

EL ARTE NEOCLÁSICO Y FRANCISCO DE GOYA

Introducción

En el siglo XVIII y sobre todo en Francia, el arte aristocrático fue asociado con el Rococó, por eso, a medida que transcurre el siglo, y cuando la clase media se dispone a arrebatar el poder a la nobleza y al rey, no duda tampoco en acabar con un arte que simbolizaba el poder y el lujo de las clases privilegiadas.

Por eso, ya desde mediados de siglo, Diderot atacaba este estilo y recomendaba la serenidad del arte antiguo.  Pero además de la coyuntura social, otras circunstancias van a permitir este redescubrimiento de la Antigüedad Clásica por segunda vez:

• En 1719 se descubría Herculano y en 1748 la ciudad perdida de Pompeya, sepultada por las cenizas del Vesubio.  Estos descubrimientos van asociados a una fie­bre investigadora y arqueológica que produce una abundante bibliografía.
• Por otra parte las Academias creadas a lo largo de este siglo subrayan el valor normativo de lo clásico y realizan campañas antibarrocas y en contra del Rococó en pos del «buen gusto».
• Además el Rococó se había agotado. Era un estilo que apenas había tenido transcendencia en los exteriores de los edificios, cuyos trazados se repetían una y otra vez.  Se produjo una crisis estética que llevaba a dos soluciones: o crear un nuevo estilo o volver a lo seguro, al pasado, a la Antigüedad Clásica y acabar así con toda una fase de embriaguez decorativa.

LA PINTURA BARROCA HOLANDESA Y FLAMENCA

LA PINTURA HOLANDESA

INTRODUCCIÓN

Hemos visto como el Barroco implica en Europa dos comportamientos artísticos diferentes: el católico y el protestantes, aunque dentro de cada uno pueda haber diferentes variantes. En los territorios que hay forman, los países de Holanda, Bélgica y  Luxemburgo y que formaron parte de la corona española durante todo el siglo XVI, podemos diferenciar dos partes: la zona de Flandes que siguió bajo la tutela española durante todo el siglo XVII y por lo tanto fue católica y la zona de Países Bajos, lo que hoy es Holanda, la cual se independizó en 1640 y donde el calvinismo se unió a las aspiraciones independentistas, en una sociedad de predominio burgués.

EL ARTE BARROCO ITALIANO

EL ARTE BARROCO 

1. Introducción

El Renacimiento agotó su inspiración a partir de 1550.  Entonces surgen los manieristas, los cuales no tenían una capacidad creadora de primera magnitud. A fines del s. XVI o inicios del XVII se nota un cambio a todos los niveles y también artístico. Todas las artes plásticas se sentirán alteradas por igual.

El término Barroco fue creado despectivamente en el S. XIX por los clasicistas enemigos del recargamiento decorativo del S. XVII.  En el s. XX se volvió a valorar el arte del Barroco pero no homogéneamente: se atacó la arquitectura barroca por ser bárbara y desproporcionado pero se elogió sobre todo la pintura de Poussin o de Velázquez. La pintura fue el arte más importante del Barroco porque ahora el arte se idealiza, es un transporte intelectual, es la base de una idea y aquí la pintura puede instrumentalizarse mucho mejor que el resto de las artes.

Hoy se sitúa al Barroco en su auténtica perspectiva histórica. No es sólo un estilo desproporcionado y recargado. Hay que profundizar más.  Ya no es sólo aquel arte irregular, contorsionado, grotesco o de mal gusto, como lo calificaron los neoclásicos del s. XIX.